Von diesem besonderen Stück mit verschiedenen Facetten und Dimensionen, als Spiegelbild des Komponisten Liszt selbst, werde ich immer wieder überrascht.
Franz Liszt(1811-1886), ein österreichisch-ungarischer Komponist, Pianist, Dirigent, Theaterleiter, Musiklehrer und Schriftsteller, war vermutlich derjenige, der immer auf der Suche war und somit sich und die Musik über 50 Jahre lang aus damaliger Perspektive unvorstellbar weiterentwickelt hat.
Das Stück wurde Anfang der sogenannten Weimarer Zeit (1846-61) komponiert. Nach einer großen pianistischen Karriere begann Liszt seine kreative Phase als Komponist. Sein Autograph zeigt mehrere Korrekturen und radikale Änderungen.
Das Stück sprengt in jeder Hinsicht die Kategorien „Klaviermusik“, „Sonate“, oder „Romantik“ durch symphonische Klangfarben und improvisatorische Komponenten, verbunden mit seiner einmaligen pianistischen Virtuosität.
Die Idee, das Stück mit einer Viertelpause zu beginnen, dann ein Ton, nochmal Pause und nochmal ein Ton, assoziiert einen langsamen Herzschlag und im erweiterten Sinne „sein“ oder „nichtsein“.
Ungarische Tonleitern, die abwärts laufen, mögen ein Symbol von irdischen Bindungen oder Vergangenheit (Herkunft) bedeuten.
Auf dieser „Null-Ebene“ wird die enorme Spannung durch Chromatik, verwoben im Rahmen der verminderten Septime, aufgebaut.
Die atonale Harmonik wirkt als würde sie die konventionelle Bindung in Richtung Zukunft auflösen.
Durch die in diesem Augenblick entstehende Stille (Pausen) und die improvisatorischen Zwischenspiele werden wir gezwungen, auf die Gegenwart aufmerksam zu werden. Und gleichzeitig schenkt uns der zarte und sehnsuchtsvolle Choral Trost und Frieden.
Ein Stück, das aus dem nichts entsteht und in das nichts zurückkehrt und darin alle nur denkbaren gegensätzlichen Elemente beinhaltet, ähnlich dem Universum.
So verstehe ich das Stück, mit dem Liszt etwas Unvergängliches zu erlangen suchte.
Reflections on the B minor sonata
I am continually surprised by the many facets and proportions of this extraordinary piece, a mirror image of Liszt himself.
Franz (Ferencz) Liszt, the Austro-Hungarian composer, pianist, conductor, theater director, music teacher and writer, appears to have been someone who was always searching and from a contemporary perspective, consequently made enormous developments in himself and in music generally, for more than half a century.
The piece was composed at the beginning of his so-called Weimar Period(1846-1861). Following a highly successful career as pianist List embarked on a creative phase as composer. The autograph score contains many corrections and radical changes.
Through symphonic tonality and extemporary components, combined with his extraordinary virtuosity as pianist, this piece goes in every respect beyond the categories of piano music, sonata, or „romantic“.
The idea to start the piece with a crotchet-rest, then a note, another rest and another note, suggests a slow heart-beat and in an extended sense „existence“ , or
„nonexistence“. (To be or not to be)
Descending Hungarian scales might be interpreted as symbols of worldly bonds or past origins.
On this basement enormous tension is built up through chromatic cords intertwined with the lesser diminished seventh.
The atonal harmonics act as if they could undo the conventional connection to the direction of the future.
Through the silence (pause), created at this moment and the extemporary intermezzo, we are compelled to pay attention to the present. At the same time the soft and wistful choral provides consolation and peace.
A piece created out of nothingness and that returns to nothingness and in which is contained every possible opposing element, not unlike the universe.
This is how I understand the piece, with which Liszt attempted to attain something immortal.
Réflexions sur la sonate en si miner
Je suis toujours étonnée par cette pièce singulière aux diverses facettes et dimensions, qui reflète le tempérament de Franz Liszt (1811-1886), compositeur, pianiste, chef d’orchestre, metteur en scène de théâtre, professeur de musique et écrivain natif de l’Empire austro-hongrois. Il était constamment en recherche et s’est donc affirmé, ainsi que sa musique, de manière stupéfiante au cours de plus de 50 ans d’ancrage dans son époque.
Cette sonate a été composée au début de la période dite de Weimar (1846-61). Après une grande carrière pianistique, Liszt entame alors sa phase créative de compositeur. Son manuscrit autographe montre plusieurs corrections et changements radicaux.
La pièce transcende à tous égards les catégories de « musique pour piano », « sonate » ou « romantisme » grâce à des timbres symphoniques et des composantes d’improvisation, alliés à sa virtuosité pianistique unique.
L’idée de commencer le morceau par un silence, puis une note, puis un autre silence, une autre note renvoie à un rythme cardiaque lent et au sens plus large à la question d’ « être » ou « ne pas être ».
Les gammes descendantes en mode hongrois peuvent symboliser des liens terrestres ou un passé originel.
Sur ce « niveau zéro » se construit une considérable tension, à travers le chromatisme, entrelacé avec le cadre de la septième diminuée. En précurseur d’une musique future, l’harmonie atonale bouscule les conventions de l’époque.
De par les silences et pauses qui arrivent à ce moment, et les intermèdes d’improvisation, nous sommes obligés de prêter attention au présent. Et en même temps, le choral tendre et nostalgique nous apporte réconfort et paix.
Voilà une pièce qui surgit de rien et s’achève par une dissolution, et qui contient toutes les oppositions imaginables, comme l’univers.
C’est ainsi que je comprends la pièce par laquelle Liszt a cherché à atteindre à l’éternel..
Tomoko Sawallisch 